![[personal profile]](https://www.dreamwidth.org/img/silk/identity/user.png){kind=small}
arbekaсвет лишает героев какой-либо ауры
((глянул на тюбике первые 20 мин., крупные планы вполне забавны. Средние - слегка смазаны.))
............
"Этот фильм окончательно утвердил Сигела в статусе крупного режиссера, хотя в его карьере и прежде были выдающиеся картины. Мордашка Нелсен — торжество сухого, жесткого, прямолинейного стиля. Он бесконечно далек от навязчивых полночных скитаний и неоднозначности нуара. Сила фильма — в его единстве и в том, что даже при крайне ограниченном бюджете в нем виден авторский стиль. Преобладают дневные сцены, где резкий солнечный свет лишает героев какой-либо ауры. В жестокости персонажей и монтаже нет ни тени лиризма. Актеры играют строго и слаженно, как в ансамбле, где никто не стремится быть звездой, где одинаково важны и крупные, и небольшие роли.
Так же, как и сообщники, Мордашка показан жестоким зверем, не знающим колебаний и угрызений совести. Сигел не находит для этого человека оправданий. Комплекс низкорослости заставляет Нелсона бить еще сильнее, идти еще дальше. Скорость — главное, что отличает его жизнь и судьбу, а также режиссерский стиль фильма. И главный герой, и сам фильм мчатся по прямой к финальному краху. Этот бешеный темп окажет в дальнейшем влияние на весь криминальный жанр
https://www.youtube.com/watch?v=c4qQ80rlwos Baby Face Nelson (1957) Mickey Rooney
Из комментов:
"interesting take on it... the real Baby Face was a freaking sick maniac."
((глянул на тюбике первые 20 мин., крупные планы вполне забавны. Средние - слегка смазаны.))
............
"Этот фильм окончательно утвердил Сигела в статусе крупного режиссера, хотя в его карьере и прежде были выдающиеся картины. Мордашка Нелсен — торжество сухого, жесткого, прямолинейного стиля. Он бесконечно далек от навязчивых полночных скитаний и неоднозначности нуара. Сила фильма — в его единстве и в том, что даже при крайне ограниченном бюджете в нем виден авторский стиль. Преобладают дневные сцены, где резкий солнечный свет лишает героев какой-либо ауры. В жестокости персонажей и монтаже нет ни тени лиризма. Актеры играют строго и слаженно, как в ансамбле, где никто не стремится быть звездой, где одинаково важны и крупные, и небольшие роли.
Так же, как и сообщники, Мордашка показан жестоким зверем, не знающим колебаний и угрызений совести. Сигел не находит для этого человека оправданий. Комплекс низкорослости заставляет Нелсона бить еще сильнее, идти еще дальше. Скорость — главное, что отличает его жизнь и судьбу, а также режиссерский стиль фильма. И главный герой, и сам фильм мчатся по прямой к финальному краху. Этот бешеный темп окажет в дальнейшем влияние на весь криминальный жанр
https://www.youtube.com/watch?v=c4qQ80rlwos Baby Face Nelson (1957) Mickey Rooney
Из комментов:
"interesting take on it... the real Baby Face was a freaking sick maniac."
![[identity profile]](https://www.dreamwidth.org/img/silk/identity/openid.png){kind=small}
Carolyn Jones
Date: 2020-06-15 09:06 am (UTC)В 1953 году она вышла замуж за продюсера Аарона Спеллинга, приняв иудаизм[3][4], и вскоре её карьера стала развиваться активнее.
В 1968 году актриса вышла замуж за Герберта Грина, с которым жила вместе в Палм-Спрингс, до развода в 1977 году. В последующие годы Джонс работала в основном на телевидении, где появилась во многих сериалах, последним из которых стал «Капитолий» в 1982 году.
Свою последнюю роль ей пришлось играть в инвалидном кресле, из-за обнаруженного у неё незадолго до этого рака толстой кишки. В том же году, зная о том что она умирает, Кэролин Джонс в третий раз вышла замуж, за друга детства Питера Бейли-Бриттона. Актриса умерла 3 августа 1983 года в своём доме в Уэст-Голливуде, штат Калифорния, в возрасте 53 лет.
Jones was married four times and had no children. While studying at the Pasadena Playhouse, Jones married Don Donaldson, a 28-year-old fellow student. The couple soon divorced.[16] Jones was subsequently married to television producer Aaron Spelling from 1953 until their 1964 separation and divorce;[17] Jones converted to Judaism when she married Spelling.[18]
Her third marriage, in 1968, was to Tony Award-winning Broadway musical director, vocal arranger and co-producer Herbert Greene (who was her vocal coach); she left him in 1977.
In September 1982, realizing she was dying, Jones married her boyfriend of five years, actor Peter Bailey-Britton. She wore a lace and ribbon cap to hide the loss of her hair from chemotherapy.
no subject
Date: 2020-07-15 10:31 am (UTC)https://filmix.co/drama/36104-most-die-br252cke-1959.html
«Мост» (нем. Die Brücke) — кинофильм режиссёра Бернхарда Викки, снятый в 1959 году по одноименному роману Грегора Дофмейстера (выпустил под псевдонимом Манфред Грегор).
В советском кинопрокате шёл в 1962 году под названием «Тяжелая расплата».
.........................
Фильм был снят в баварском городе Кам. Сам мост был назван в честь Флориана Гайера, в 1994 году он был разрушен и на его месте возвели новый[1].
Ни один танк из показанных в фильме не был настоящим. К 1959 году бундесвер ещё только начал формироваться и ещё не имел танков вовсе. Бернхард Вики вышел из положения, смонтировав деревянные модели на автомобильных шасси[1].
336-я пехотная дивизия вермахта, в которой по сюжету служили ребята, на самом деле в 1945 году уже не существовала, окончив свои дни в мае 1944 года в Севастополе[2].
Оригинальный роман по большей части является автобиографией самого Грегора: 1 мая 1945 года Грегор (которому тогда было 16 лет) и ещё семь мальчиков были поставлены на охрану входного моста Бад-Тёльца от войск Союзников. В течение этого дня из 8 мальчиков погибли пятеро. Грегор сбежал на следующий день, в то время как два оставшихся продолжали оборонять мост. Позже Грегор вернулся к мосту и обнаружил, что они тоже убиты.
no subject
Date: 2020-07-15 10:51 am (UTC)Сложные отношения Элис и Джо разыграны очень сильным актёрским дуэтом. Это одна из лучших, если не лучшая роль Симоны Синьоре, которая не боится смелых крупных планов, как годом раньше Жанна Моро в фильме Луи Маля «Лифт на эшафот». Чёрно-белый «Путь наверх» обладает своим особым стилем, мрачным и документальным. Практически в каждой сцене фильма присутствует главный герой и многие кадры заканчиваются крупным планом лица Джо, зажатого в угол кадра. Возникает эффект присутствия, как будто всё время стоишь за плечом Джо. Крупные планы вообще достаточно часто используются в картине.
no subject
Date: 2020-07-15 10:56 am (UTC)no subject
Date: 2020-07-15 11:01 am (UTC)no subject
Date: 2020-07-15 11:04 am (UTC)no subject
Date: 2020-07-15 11:06 am (UTC)https://filmix.co/melodrama/78019-hirosima-moya-lyubov-hiroshima-mon-amour-1959.html
«Хиросима моя любовь» – оригинальный глубокий психологический и философский фильм с вычурным и необычным для своего времени монтажом: постоянно чередуются короткие кадры настоящих отношений Эль и Лю и кадры Хиросимы в первой половине фильме или кадры молодости Эль в Невере во второй половине фильма. «Хиросима моя любовь» выросла из замысла документального фильма, что отразилось на тесном переплетении этих двух кинематографических направления в начале картины. Это интересный фильм о запретной любви, всеобщих страданиях, памяти, родстве душ погружает зрителя в пучины сложного подсознания главной героини, в чем помогает очень серьёзная игра Эммануэль Рива. Иногда, правда, кажется, что Ален Рене слишком заумно, что не очень вяжется с образом героини, преподносит свои идеи, которые можно было бы донести гораздо проще.
«Jetée, la», 1962.
Date: 2020-07-15 12:23 pm (UTC)Экспериментальный фильм о мужчине, которого терзало воспоминание детства об убийстве в аэропорту, и который после череды путешествий во времени понял, что в аэропорту убили именно его, принесшего в постапокалиптический мир атомный реактор из будущего, вызывает ассоциации с фильмами Алена Рене. «Взлётная полоса» – хороший фильм с атмосферой и интересным сюжетом. Кадры сами по себе очень красивы, герои интересны. Но подача материала, не оправданная в достаточной степени, оставляет чувство глубокого неудовлетворения.
«Взлётная полоса» (фр. La Jetée, вариант перевода «Терминал») — чёрно-белый 28-минутный фантастический фильм французского режиссёра Криса Маркера 1962 года, удостоенный премии Жана Виго. Выполнен в технике фоторомана: образный ряд состоит из сменяющих друг друга фотографий[1]. Картина Маркера вписана в историю кино как один из самых значительных и влиятельных образцов кинофантастики[2][3][4][5][6].
no subject
Date: 2020-07-15 12:27 pm (UTC)Съёмки проходили с 8 февраля по 6 мая 1995 года в Филадельфии и Балтиморе[8][9].
Бюджет 29 500 000 USD
Сборы 168 839 459 USD[1]
no subject
Date: 2020-07-15 02:37 pm (UTC)no subject
Date: 2020-07-15 02:52 pm (UTC)no subject
Date: 2020-07-15 02:52 pm (UTC)no subject
Date: 2020-07-15 03:04 pm (UTC)no subject
Date: 2020-07-15 03:08 pm (UTC)«Angel exterminador, el», 1962
Date: 2020-07-15 03:19 pm (UTC)Сам Луис Бунюэль впоследствии жалел, что не дошёл в своём фильме до каннибализма. Впрочем из без него, эта совершенно бессюжетная фантасмагорическая миниатюра смотрится с большим интересом. В начале шестидесятых были попытки осуждать и показывать пустоту подобных раутов: мягкая в «Ночи» Микеланджело Антониони, более грубая у Федерико Феллини в «Сладкой жизни». Но никто не дошёл в низведении человека до животного в такой крайней степени, как Бунюэль. Он ещё разумно остановился, не превратив свой антибуржуазный фильм в антиклерикальный, хотя ему явно было что сказать по данной теме. «Ангел-истребитель» изумительно смотрится вместе с пиршеством нищих из «Виридианы» – предыдущего фильма Бунюэля, весьма последовательного в своих идеях.
«Ангел-истребитель» (исп. El ángel exterminador) — мексиканская чёрно-белая фантасмагорическая трагикомедия режиссёра Луиса Бунюэля.
После званого ужина представители высшего сословия обнаруживают, что не могут покинуть гостиной. Загадочные, мистические причины не позволяют им перейти через порог.
no subject
Date: 2020-07-16 05:20 am (UTC)no subject
Date: 2020-07-16 05:23 am (UTC)Не говорить о Кормане невозможно, он дорог мировому кинематографу как блестящий продюсер и учитель, давший путёвку в жизнь великому множеству актёров и режиссёров, о которых в 1961 году ещё не слышно: от Френсиса Копполы и Джеймса Кэмерона до Джека Николсона и Мартина Скорсезе. В Голливуде, кстати, был настоящий король низкобюджетных фильмов, умевший снимать подлинные шедевры в ещё более жестоких временных и финансовых ограничениях: Эдгар Ульмер, снявший «Объезд».
no subject
Date: 2020-07-16 05:24 am (UTC)no subject
Date: 2020-07-16 06:19 am (UTC)https://filmix.co/drama/60645-skvoz-temnoe-steklo-skvoz-tuskloe-steklo-s229som-i-en-spegel-through-a-glass-darkly-1961.html
no subject
Date: 2020-07-16 07:16 am (UTC)https://filmix.co/uzhasu/70164-nevinnye-the-innocents-1961.html
Один из наиболее тревожных фильмов ужаса 1960-х годов, действительно страшный как в метафизическом, так и в психологическом смысле. Достаточно точная экранизация литературной основы. Однако диалоги от Трумена Капоте, наполненные фрейдизмом и сексуальным подтекстом, делают некоторые акценты иными, чем в первоисточнике XIX века[1].
Clayton was ultimately unhappy with Archibald's screenplay due to their conflicting interpretations of the material, and asked American writer Truman Capote (whom he had met while working on Beat the Devil[13]) to rework Archibald's script.[14] At the time, Capote was in the middle of writing In Cold Blood; however, because he was a fan of the James novella, he agreed, and took a three-week hiatus to rewrite the screenplay.[15] Capote introduced the Freudian symbolism that is prominently highlighted in the relationships and visual compositions of the film, with implications that the supernatural phenomena experienced by Miss Giddens is a result of her own sexual repression and paranoias rather than legitimate paranormal experiences.[16]
Deborah Kerr was cast in the lead role of Miss Giddens at the counsel of the film's studio and distributor, 20th Century Fox, despite the fact that the governess character in James's original work was twenty years old (Kerr was forty at the time).[21] On discussing the part with Clayton, Kerr recalled: "I remember asking Jack what he wanted me to stress in playing the part, and he replied, "You play it the way you feel, but don't forget the ambiguity!" So I tried the very nervous tight-rope between sanity and insanity, and left the audience to exercise its intelligence."[21] Kerr's role in the film is significant, as she appears onscreen in approximately 95 minutes of the film's 99 minute runtime.[13] She was paid US$400,000 for her work in the film.[22]
Budget £430,000[4]
Box office $1.2 million (North America)[5]
no subject
Date: 2020-07-16 07:33 am (UTC)During principal photography, Clayton and editor Jim Clark—whom he had hired on the recommendation of his colleague Jimmy Ware, editor of Clayton's first feature, Room At The Top—would meet each evening and view the footage shot that day, assembling daily rough cuts as they progressed; this allowed Clayton to make adjustments and shoot pick-ups along the way, giving him closer supervision during the filming process.[14]
Post-production
Editing
Editor Jim Clark manually crafted elaborate cross dissolves in post-production, merging as many as four images in a single frame[14]
In his 2010 memoir Dream Repairman, Jim Clark recalled his work as editor on The Innocents as "a true collaboration" and that he and Clayton became close friends and regular drinking partners during production, since both were single at the time, and lived near each other. He described The Innocents as "a real pleasure to edit, since Jack had a very certain approach to his material, having worked out everything beforehand. He was a perfectionist who left nothing to chance, and was very precise in his approach to work."[35]
Inspired by George Stevens' A Place in the Sun, Clark crafted numerous dissolves and superimpositions, which he also described as "mini montages", in which he edited the cross-fades between certain scenes to run four or five times longer than the standard "mix", and often blended in a third, near-subliminal image; film scholar Anthony Slide would later refer to the film's use of dissolves as "obsessive".[3] Clark achieved this process by using blank film rolls as a template on which he would manually assign Clayton's film negatives with hand-marked reel numbers, slate numbers, and time stamps indicating the duration each image should remain within a single frame.[14] Clayton explained in later interviews that he felt the dissolves entirely appropriate and in accordance with his vision of the film as "mood-oriented", adding: "It gave me opportunities to explore this field, which I had never done before: to create in those multiple dissolves images which hang there, and have a meaning which applies both to the end of the last scene and the beginning of the next."[3]
In the United Kingdom, the original classification in 1961 given by the British Board of Film Censors (now the British Board of Film Classification or BBFC) had been the "X" rating, which meant that no person under the age of 16 years would be allowed into the cinema to see it.[7]
no subject
Date: 2020-07-16 07:33 am (UTC)Martin Stephens (born 15 July 1949) is a former child actor and architect from England, best known for his performances in the films Village of the Damned and The Innocents.
Женщина в песках
Date: 2020-07-16 12:37 pm (UTC)https://asiakino.net/3579-zhenschina-v-peskah.html
Обнажённое тело Эйдзи Окады, покрытое песком – прямая цитата из фильма Алена Рене «Хиросима моя любовь». «Женщина в песках» – мощная экзистенциальная притча о человеческом бытии, простая по форме (мужчина и женщина на дне карьера) и очень глубокая по смыслу. «Женщина в песках» вновь поднимает любимый Альбером Камю миф о Сизифе, о том, что Сизиф должен обрести смысл жизни в своём бессмысленном существовании. Очень важна для произведения тема энтомологии. Не зря герой, насаживающий жучков на иглу, сам оказывается в сачке. Возможно, именно использование насекомых в фильме побудили Тэсигахару и его оператора Хироси Сэгаву часто использовать макросъёмку. Вообще, визуальный язык картины достаточно богат. Особенно удались Сэгаве кадры живого песка, который превращается в третьего героя фильма.
no subject
Date: 2020-07-16 12:39 pm (UTC)Критики отмечали стилистическое, визуальное совершенство ленты, её напряженный эротизм, мастерство, с которым были сняты дюны, движущиеся подобно живому существу.[3]
no subject
Date: 2020-07-16 04:07 pm (UTC)Lila Kedrova
Date: 2020-07-16 09:07 pm (UTC)лизавета Кедрова родилась в советском Петрограде в семье оперной певицы Софьи Кедровой и профессора Петербургской консерватории, создателя известного музыкального мужского квартета Кедрова Николая Кедрова. В 1922 году вместе с родителями и старшим братом эмигрировала в Германию, а потом в 1928 году переехали во Францию, в Париж.
Театральная карьера Лили началась в 1945 году в спектакле по Достоевскому «Братья Карамазовы» (театр «Ателье»). В комедии, написанной Робером Оссейном, «Ограниченная ответственность» Лиля играла в театре «Фонтейн» в 1954 году.
Yelizaveta Nikolayevna Kedrova was born in Petrograd, Russia. Cagey about her age, she gave 1918 as her year of birth but is now believed to have been born in 1909, if not earlier.[4] Her parents were Russian opera singers. Her father, Nikolay Kedrov Sr. (1871–1940), was a singer and composer, a creator of the first Russian male quartet to perform liturgical chants. Her mother, Sofia Gladkaya (ru: Софья Николаевна Гладкая), was a singer at the Mariinsky Theatre and a teacher at the Conservatoire de Paris. Kedrova's brother Nikolay Kedrov Jr. (c. 1904–1981) was a Russian singer and composer of liturgical music. Her sister, Irene Kedroff (Irina Nikolayevna Kedrova), was a soprano.[5]
In 2000, Kedrova died at her summer home in Sault Ste. Marie, Ontario of pneumonia, having suffered a long time with Alzheimer's disease.[3][7]
no subject
Date: 2020-07-16 09:59 pm (UTC)Мо́ника Ви́тти (итал. Monica Vitti, настоящее имя — Мария Луиза Чечарелли (итал. Maria Louisa Ceciarelli), род. 3 ноября 1931 года в Риме, Италия) — итальянская актриса. 5 раз была удостоена премии «Давид ди Донателло» за лучшую женскую роль
no subject
Date: 2020-07-17 05:56 am (UTC)Фильм снят на плёнке Шосткинского п/о «Свема».
Поскольку съёмки фильма происходили в перестроечное время, для главной героини Кати Кузнецовой у съёмочной группы были сложности с подбором подходящего реквизита — модной и элегантной одежды. Ввиду этого актриса Настя Немоляева использовала свои вещи, жены Карена Шахназарова и Алёны Сетунской[2][3].
Карен Шахназаров во время подготовки к съёмкам «Курьера» просмотрел более сотни претендентов на главную роль. Фёдор Дунаевский попал в фильм случайно. Его одноклассница Анастасия Немоляева, сыгравшая Катю, отнесла фотографии нескольких своих одноклассников на пробы в «Мосфильм» в актёрский отдел. Фёдора пригласили на пробы и затем предложили роль[4].
«Онибаба»
Date: 2020-07-17 08:33 am (UTC)Первые кадры «Онибабы» смотрятся отсылкой к началу фильма Акиры Куросавы «Три негодяя в скрытой крепости». Впрочем, на этом сходство заканчивается. «Онибаба» – предельно лаконичный фильм, показывающих трёх героев, двое из которых не имеют имени, в замкнутом минималистском мире тростникового болота. Фильм проникнут мистикой, вневременностью и изобилует повторами. Схожими чертами обладает и знаменитый фильм Синдо «Голый остров». «Онибаба» ещё и очень чувственный и эротически красивый фильм. С визуальной точки зрения это выверенный шедевр, снятый Киёми Куродой и отлично вписывающийся в ряд блестящих японских средневековых фильмов. Глубокая эстетическая продуманность ощущается и в оригинальном музыкальном сопровождении и в монтаже. Лаконизм, рефрены и анонимность придают повествованию характер притчи или сказки, несущей важный гуманистический посыл в области суеверий и прежде всего в области положения женщины в обществе – тема, которая сильно волновала учителя Синдо – гениального Кэндзи Мидзогути. Синдо, на мой взгляд, не смог превзойти своего учителя, но постарался максимально к нему приблизиться по уровню своих лучших картин. Мидзогути умел создавать сложнейшие многоплановые миры, поражающие своим разнообразием. Синдо же создаёт один маленький мир, но снимает его очень выразительно и даёт в него вжиться. Тростниковые болота «Онибабы» с мистической ямой завораживают и не отпускают до самого конца фильма.
https://filmix.co/drama/31413-chertova-baba-onibaba-1964.html
no subject
Date: 2020-07-17 08:36 am (UTC)Неожиданно с войны возвращается Хати, их сосед. Его вместе с Кити, сыном женщины (и мужем девушки), забрали в солдаты, однако во время сражения они притворились мёртвыми и затем пошли обратно. На обратном пути крестьяне напали на них и убили Кити. Хати начинает оказывать знаки внимания девушке и приглашает её приходить в его хижину. Он также предлагает её свекрови работать вместе, но та отказывается.
Вскоре девушка и Хати становятся любовниками, девушка приходит к Хати по ночам, когда женщина спит. Однако та лишь притворяется спящей. Не признаваясь в том, что ей известно о любовной связи, она уговорами и угрозами пытается заставить Хати отказаться от её невестки. Девушке же она рассказывает о демонах и аде, говоря, что грешников там ждут ужасные страдания, а один из самых страшных грехов — блуд вне брака. Однако Хати и девушка не в силах противостоять своей страсти.
Однажды ночью, когда девушка убегает к Хати, женщина встречает человека в маске демона-они. Это оказывается самурай-генерал, потерявший свою армию; под маской он скрывает своё лицо, которое называет красивейшим в мире. Он просит женщину показать ему дорогу через камыши. Она ведёт его, но, дойдя до ямы, перепрыгивает через неё, а самурай падает вниз и умирает. Потом она спускается в яму за его одеждой и оружием. Сняв маску, она видит, что лицо самурая было обезображено.
Вечером женщина говорит, что идёт к Уси продавать часть обмундирования. Когда девушка бежит сквозь камыши к Хати, перед ней внезапно встаёт женщина-они, и девушка в ужасе убегает домой. Так повторяется и на следующую ночь. Хати удивлён тем, что девушка давно не приходит к нему. Ночью, когда женщина опять уходит к Уси, девушка под проливным дождём снова бежит к Хати и опять встречает женщину-они. Однако она убегает от демона и зовёт Хати, который встречает её. Женщина понимает, что она не в силах противостоять их страсти.
Хати возвращается к себе и обнаруживает у себя дома бродягу, ворующего еду. Бродяга убивает Хати. Девушка, вернувшись домой, видит свою свекровь в маске они — та говорит, что это была она, переодетая демоном, и что теперь маска слилась с её лицом и не снимается. Девушка пытается помочь женщине снять маску: та говорит, что ей больно, однако девушка разбивает маску молотком. Под маской оказывается обезображенное лицо женщины. Испугавшись, что теперь женщина действительно превратилась в демона, девушка бежит прочь. В последних кадрах фильма она, а за ней женщина прыгают над ямой посреди камышей.
Onibaba, el mito del sexo (Argentina y México),
Date: 2020-07-17 09:16 am (UTC)no subject
Date: 2020-07-17 09:27 am (UTC)Plot
The film is set somewhere in Japan, in the mid-fourteenth century during a period of civil war. Two fleeing soldiers are ambushed in a large field of tall, thick reeds and murdered by an older woman and her young daughter-in-law. The two women loot the dead soldiers, strip them of their armour and weapons, and drop the bodies in a deep pit hidden in the field. The next day, they take the armor and weapons to a merchant named Ushi and trade them for food. The merchant tells them news of the war, which is driving people across the country to desperation. As they leave, Ushi makes a sexual proposition to the older woman, who rebuffs him. A neighbor named Hachi, who has been at war, returns. The two women ask about Kishi, their son/husband who was drafted along with Hachi. Hachi tells them that they deserted the war and that Kishi was later killed when they were caught stealing food from farmers. The older woman warns the younger woman to stay away from Hachi, whom she blames for her son's death.
Hachi begins to show interest in the younger woman and, despite being warned to stay away from Hachi, she is seduced by him and sneaks out of her hut every night to have sex. The older woman learns of the relationship and is both angry and jealous. She tries to seduce Hachi herself, but is coldly rebuffed. She then pleads with him to not take the young woman away, since she cannot kill and rob passing soldiers without her help.
One night, while Hachi and the younger woman are together, a lost samurai wearing an Oni mask forces the older woman to guide him out of the field. He claims to wear the mask to protect his incredibly handsome face from harm. She tricks him into plunging to his death in the pit where the women dispose of their victims. She climbs down and steals the samurai's possessions and, with great difficulty, his mask, revealing the samurai's horribly disfigured face. As she leaves, the older woman then gets an idea to keep her daughter-in-law away from Hachi.
At night, as the younger woman goes to see Hachi, the older woman blocks her path, wearing the samurai's robes and mask, frightening the woman into running home. During the day, the older woman further convinces the younger woman that the "demon" was real, as punishment for her affair with Hachi. The younger woman avoids Hachi during the day, but continues to try and see him at night. During a storm, the older woman again terrifies the younger woman with the mask, but Hachi, tired of being ignored, finds the younger woman and has sex with her in the grass as the devastated old woman watches from afar. Hachi returns to his hut, where he discovers another deserter stealing his food; the deserter abruptly grabs his spear and stabs Hachi, killing him.
The older woman discovers that, after getting wet in the rain, the mask is impossible to remove. She reveals her scheme to the younger woman and pleads for her to help take off the mask. The younger woman agrees to remove the mask after the older woman promises not to interfere with her relationship with Hachi. After failing to pull it off, the young woman breaks off the mask with a hammer. Under the mask, the older woman's face is now disfigured, as the samurai's had been. The younger woman, thinking the older woman has turned into a demon, flees; the older woman runs after her, crying out that she is a human being, not a demon. The young woman leaps over the pit, and as the older woman leaps after her the film ends.
no subject
Date: 2020-07-17 09:32 am (UTC)After seeing Imperial Japan's defeat in the WWII, Shindo put in themes to criticize Japan. The survival of two desperate women in a time of hardship while the nation of samurais neglect its citizens shows a very realistic and natural form of humanness. The film holds Shindo's messages regarding disdain for his home country neglecting to take care of its citizens who are meeting the country's consequences after being defeated in a war.
Shindo portrays human emotions at a very natural and crude form. The two desperate women who need to kill to survive, feeling emotions such as lust and jealousy. The portraying of the characters show human nature of faithfully following its desires. This overflowing of emotions is shown mostly from the older mother-in-law. Shindo writes the script to portray the older woman's characters as a human with conflicting emotions, and eventually laying hands on a cursed mask to become onibaba. The very exercising of human emotions is one of the main themes of the film.
Cast
Most of the cast consisted of members of Shindo's regular group of performers, Nobuko Otowa, Kei Satō, Taiji Tonoyama, and Jūkichi Uno. This was Jitsuko Yoshimura's only appearance in a Shindo film. The two women do not have names even in the script, but are merely described as "middle-aged woman" and "young woman".[3]
The story takes place shortly after the Battle of Minatogawa which began a period of over 50 years of civil war, the Nanboku-chō period (1336 to 1392). Hachi tells of an attack from general Takauji Ashikaga, who came to power in the 1330s.
The story of Onibaba was inspired by the Shin Buddhist parable of yome-odoshi-no men (嫁おどしの面) (bride-scaring mask) or niku-zuki-no-men (肉付きの面) (mask with flesh attached), in which a mother used a mask to scare her daughter from going to the temple. She was punished by the mask sticking to her face, and when she begged to be allowed to remove it, she was able to take it off, but it took the flesh of her face with it.[4]
Kaneto Shindo wanted to film Onibaba in a field of susuki grass. He sent out assistant directors to find suitable locations.[5] Once a location was found near a river bank at Inba-Numa in Chiba, they put up prefabricated buildings to live in.[6] Filming started on 30 June 1964 and continued for three months. [7] Shindo built things such as a makeshift turtle water slide to entertain the crew and keep things cool during harsh conditions of filming out in the fields of nowhere. The crew members were doing laundry and living in the fabricated buildings during the filming. The crew members grouping and eating together things like onigiri and soba noodles was caught on camera. [8]
They had a rule that if somebody left they would not get any pay, to keep the crew motivated to continue. Shindo included dramatized scenes of the dissatisfaction on the set as part of the 2000 film By Player.[citation needed]
To film night scenes inside the huts, they would put up screens to block the sun, and changing the shot would require setting the screens in a completely different spot.[9]
Kaneto Shindo said that the effects of the mask on those who wear it are symbolic of the disfigurement of the victims of the Atomic bombings of Hiroshima and Nagasaki, the film reflecting the traumatic effect of this visitation on post-war Japanese society.[5]
A makeshift tower where crew members could climb to look down and film using crane shots was built. The tower was tall enough to get a look around the entire field. [10]
The film contains some sequences filmed in slow motion.[11]
The scenes of the older woman descending in to the hole had to be shot using an artificial "hole" built above ground with scaffolding, since holes dug in the ground at the location site would immediately fill with water.[7]
no subject
Date: 2020-07-17 09:40 am (UTC)Shindo was born in 1912 in the Saeki District of Hiroshima Prefecture. He was the youngest of four children. His family were wealthy landowners, but his father went bankrupt and lost all his land after acting as a loan guarantor.[3] His older brother and two sisters went to find work, and he and his mother and father lived in a storehouse. His mother became an agricultural labourer and then died during his early childhood. His older brother was good at judo and became a policeman. One of his sisters became a nurse and would go on to work caring for atom bomb victims.[4] The other sister married a Japanese-American and went to live in the USA.[1]
In 1933, Shindo, then living with his brother in Onomichi, was inspired by a film called Bangaku No Isshō[n 1] to want to start a career in films. He saved money by working in a bicycle shop and in 1934, with a letter of introduction from his brother to a policeman in Kyoto, he set off for Kyoto. After a long wait he was able to get a job in the film developing department of Shinkō Kinema,[5] which he joined because he was too short to join the lighting department.[6] He was one of eleven workers in the developing department, but only three of them actually worked, the others being members of the company baseball team.[6] At this time he learned that films were based on scripts because old scripts were used as toilet paper. He would take the scripts home to study them.[1][6] His job involved drying 200-foot lengths of film on a roller three metres long and two metres high, and he learned the relationship between the pieces of film he was drying and the scripts he read.[6]
In 1946, with a secure job as a scriptwriter at Shochiku, he married Miyo Shindo, via an arranged marriage, and bought a house in Zushi intending to start a family
Spouse(s) Takako Kuji (common-law wife), Miyo Shindo, Nobuko Otowa
Children Jiro Shindo
no subject
Date: 2020-07-17 09:47 am (UTC)Нобуко Отова (настоящая фамилия Кадзи) была незаконнорождённой дочерью гейши из Осаки[3], родившейся 1 октября 1924 года в городке Йонаго, уезд Сайхаку[en], префектура Тоттори. Девочка ранние годы провела с отцом в Осаке, в дальнейшем они переехали в Кобе[3]. Маленькую Нобуко с ранних лет начали обучать музыке и совсем юной, после окончания начальной школы, в 1937 году отдали в студию при старейшем музыкальном ревю Такарадзука, где она будет обучаться пению и танцам[4].
Одарённость Нобуко проявилась сразу, и после успешного завершения учёбы, в пятнадцать лет, она была зачислена в основной состав труппы Takarazuka Revue[3]. В течение одиннадцати лет Нобуко блистала как солистка в этом ныне всемирно известном ревю. А в 1950 году неожиданно для всех покинет его, чтобы начать сниматься в кино[4].
Личная жизнь
После многих лет, в течение которых Нобуко Отова и Канэто Синдо были любовниками, и родителями сына Дзиро Синдо, они наконец-то зарегистрируются браком в 1977 году после того как умрёт официальная на тот момент супруга режиссёра[3]. Нобуко Отова станет третьей и последней женой Канэто Синдо, прожив с ним до своей кончины в 1994 году.
Смерть
Актриса скончалась в 1994 году в возрасте семидесяти лет после тяжёлой продолжительной болезни — рака печени.
no subject
Date: 2020-07-17 10:01 am (UTC)no subject
Date: 2020-07-17 09:20 pm (UTC)no subject
Date: 2020-07-17 09:33 pm (UTC)no subject
Date: 2020-07-17 09:35 pm (UTC)После ряда признанных шедевров Альфред Хичкок потерял хватку. «Марни» — затянута, местами дёшево снята. Хичкок всё ещё работает с оператором Робертом Барксом и монтажёром Джорджем Томазини, а ощущение такое, что он сменил обоих. Лишь отдельные кадры выдают руку Баркса. Шон Коннери, хоть и старается, выглядит натяжкой в роли американского аристократа. Типпа Хедрен, правда, хорошо работает и выросла над собой после «Птиц».
https://filmix.co/triller/32753-marni-marnie-1964.html
«Killers, the», 1964
Date: 2020-07-18 04:23 pm (UTC)«Убийцы» – один из первых римейков классических нуаров, который наглядно показывает призрачные шансы снять шедевр на нуарный сюжет при другой атмосфере и эстетике.
no subject
Date: 2020-07-18 04:26 pm (UTC)«Гертруда» – фильм своеобразный по стилю. Практически два часа Гертруда сидит на диванах и лавках и разговаривает со своими мужчинами с отстранённостью статуи. Настоящие её эмоции видны лишь один раз – во флешбеке, перед тем, как она нашла роковую записку Габриэля. Подобная минималистская актёрская игра выполняет важную роль в режиссёрском замысле. Каждый кадр этого статичного и очень лаконичного фильма детально выверен. Идеальная композиция, отражающая внутренний мир героев и их отношения. Так Дрейер практически не даёт героям смотреть друг другу в глаза, а когда они это делают – разрезает их монтажом на отдельные кадры. Исследуя модную в шестидесятые проблему одиночества и отчуждённости, Дрейер по композиции и крайне осмысленным диалогам даст большую фору Микеланджело Антониони. Также завораживают продуманные интерьеры и фантастический световой рисунок.
«Гертруда» – фильм неоднозначный. Это шедевр, заставляющий думать, но шедевр, который вышел слабее, чем некоторые предыдущие фильмы режиссёра.
no subject
Date: 2020-07-18 04:31 pm (UTC)«Доктор Стрейнджлав» – великолепный фильм, чья художественная составляющая нисколько не устарела за те долгие годы, которые понадобились человечеству, чтобы почти избавиться от угрозы атомной войны.
no subject
Date: 2020-07-18 04:34 pm (UTC)«Призрак дома на холме» – фильм очень изысканный. Продуманные персонажи, высокий уровень актёрской игры Джули Харрис, работа оператора, серьёзная работа со звуком производят впечатление сами по себе, но главное, что есть в этмо фильме – это дом. Мастерски созданный в студии готический особняк является полноценным участником событий и отсылает к таким своим собратьям, как викторианский особняк в «Доме у реки» Фрица Ланга, замок в «Невинных», поместье де Винтера в «Ребекке» Альфреда Хичкока. По стилю также близок мрачный особняк Эмберсонов из фильма «Великолепные Эмберсоны» Орсона Уэллса. В сороковые уходят и корни увлечения Уайза зеркалами и лестницами (оригинальным местом действия становится высоченная винтовая лестница, уходящая под потолок высокой библиотеки). «Призрак дома на холме» – достойный образец классического фильма ужасов, в котором ужас живёт прежде всего в сердце человеческом, и который обходится без сверхесественных существ и морей крови.
no subject
Date: 2020-07-18 04:41 pm (UTC)По ходу фильма первоначально нигде не предполагалось показывать Ирену, превратившуюся в зверя. Когда студийный супервайзер Лу Остроу потребовал, чтобы в соответствующих сценах фильма появилась пантера, Жак Турнёр отказался это требование выполнять, и Остроу приказал уволить режиссёра. Вэлу Льютону удалось замять скандал тем, что сцена с нападающей пантерой была снята, но при пониженном свете и в итоге разглядеть зверя среди теней на экране было совершенно невозможно.
Молодой инженер Оливер Рид (Кент Смит) знакомится в зоопарке возле клетки с чёрным леопардом с удивительно красивой девушкой, эмигранткой из Сербии Иреной Дубровной (Симона Симон). У них завязывается роман, затем они становятся мужем и женой. Но Ирена боится, что её близость с Оливером может разбудить древнее проклятие её рода — по рассказанной ею легенде, во время турецкой оккупации жители её родной деревни обратились к дьяволопоклонству и приобрели способность превращаться в минуты ярости и страсти в огромных кошек. Из-за страха перед этим проклятием она отказывает мужу в близости.
Оливер считает, что у Ирены не в порядке психика и советует ей обратиться к психоаналитику, доктору Луису Джадду (Том Конуэй). Тот пытается рационализировать страхи Ирены, её лечение движется успешно. Однако Оливер неожиданно для себя влюбляется в свою коллегу Элис Мур (Джейн Рэндолф), и она отвечает ему взаимностью. Ирена начинает что-то подозревать и принимается преследовать Элис. Та слышит в темноте рычание зверя и видит странные тени, её купальный халат располосован когтями огромной кошки. Элис обращается в доктору Джадду и предупреждает его, что Ирена может быть опасна. Джадд успокаивает её, показывая, что вооружён тростью со спрятанным внутри клинком.
Оливер признается Ирене, что он и Элис любят друг друга, и предлагает Ирене развод. Та впадает в депрессию. Доктор Джадд, который успел полюбить Ирену, пытается её успокоить и целует девушку, которая после этого преображается в чёрного зверя и убивает доктора. Ускользнув из квартиры, Ирена отправляется в зоопарк и открывает клетку с чёрным леопардом. Зверь, выпрыгнув из клетки, убивает её, и Оливер с Элис становятся свидетелями того, как мёртвое тело Ирены превращается в труп огромной чёрной кошки.
no subject
Date: 2020-07-18 04:43 pm (UTC)no subject
Date: 2020-07-18 04:44 pm (UTC)Фильм интересен, как некий срез, правда, достаточно узкий, молодёжных взглядов начала шестидесятых, попытка уловить грядущие общественные изменения, вроде сексуальной революции. Стилистически картина выглядит как диалог или перекличка героев, которые сидят в студии звукозаписи на чёрном фоне. В реальности персонажи не видели друг друга. На монтаже, собственно, и держится весь фильм, ибо просто полтора часа «говорящих голов» – это перебор. В целом, интересный дебют, оригинальный документальный фильм, но не шедевр
Молчание (фильм, 1963)
Date: 2020-07-18 04:46 pm (UTC)«Молчание» Ингмара Бергмана является одним из самых молчаливых и при этом эротичных фильмов режиссёра. Две сестры: Эстер (Ингрид Тулин) и Анна (Гуннель Линдблом) во время войны вместе с маленьким сыном Анны Йоханом (Йорген Линдстрём) путешествуют по чужой стране. Они останавливаются в отеле, персонал которого разговаривает на неизвестном им языке. Эстер страдает от тяжёлой смертельной болезни, Анна, бросив мальчика слоняться по пустым коридорам отеля, отправляется на поиски мужчины, и вскоре без слов соблазняет местного официанта. Отношения между сёстрами и так были напряжённые. После того, как Йохан рассказал Эстер о том, что его мама с чужим мужчиной в пустом номере, Эстер вызвала Анну на тяжёлый разговор, приведший к истерике. Анна категорически не довольна тем, что старшая сестра пытается её всё время контролировать, особенно в вопросах секса и еды. В результате Анна бросает Эстер в агонии и уезжает вместе с Йоханом на утреннем поезде.
Ингмар Бергман всё дальше забирается в метафизику и отстраняется от обыденной реальности. В данном фильме он на примере двух сестёр пытается показать отношения между Духом и Телом. С психологической точки зрения фильм мастерски преподносит модную для европейского кинематографа шестидесятых годов тему отчуждения и одиночества, ибо все герои фильма совершенно одиноки, они не могут поговорить ни с чужими людьми, ни друг с другом и страдают от непонимания. Единственное действенное средство коммуникации в фильме – язык плоти и инстинктов.
«Молчание» – камерный, как и большинство фильмов Бергмана, прекрасно разыгранный всего двумя актрисами с минимумом декораций и великолепным рисунком мастера света Свена Нюквиста.
В душном купе поезда, который следует точно не обозначенным маршрутом, едут две сестры — Эстер (И. Тулин) и Анна (Г. Линдблум) и маленький сын последней — Юхан (Й. Линдстрём). Они возвращаются домой практически в полном молчании, которое лишь изредка прерывается короткими репликами мальчика и его матери. Ребёнок пытается читать роман Лермонтова «Герой нашего времени». Ему скучно; скучно и его матери. Её сестра Эстер больна раком; во всём её облике усталость, страх смерти, зависть к сестре.
По причине болезни Эстер путешественники сходят с поезда в городе Тимока (эстонское слово, означающее «принадлежащий палачу»). Герои останавливаются в мрачном пустынном отеле. По коридорам этого отеля, которые составляют подобие безмерного лабиринта, бродит маленький герой фильма, разглядывая картины в духе Рубенса, что висят на стенах. В своих скитаниях по отелю он попадает в номер к актёрам-карликам, которые вовлекают его в фантасмагорическую игру, наряжая в платье; однако пришедший главный карлик прикрикивает на них, и игра прекращается. И карлики, и служитель отеля разговаривают на незнакомом языке, слово «рука» на котором означает «käsi» (ср. эст. käsi — рука); ни один из главных героев не понимает их речи.
По улицам города ползут танки — метафора эмоциональной войны между сёстрами[1]. Изнывающая от жары Анна бродит по незнакомым площадям, ловя на себе взгляды окружающих мужчин. Придя в театр (где она присутствует на комическом представлении тех же карликов), она наблюдает, как мужчина и женщина занимаются любовью на задних креслах. О своих переживаниях она рассказывает сестре, которая допытывается о личной жизни Анны. Познакомившись с официантом уличного бистро (Б. Мальмстен), Анна приходит с ним в отель. В отеле они занимаются любовью — и их видит её маленький сын. Позже Эстер застаёт любовников вместе. В номере Анна пытается унизить Эстер, происходит ссора сестёр.
no subject
Date: 2020-07-18 09:23 pm (UTC)Анна и Юхан продолжают путешествие вдвоём. Мальчик пытается прочесть слова на незнакомом языке, которые написала для него перед смертью Эстер. Анна подставляет своё тело дождевым струям, хлещущим в открытое окно. Звучит тревожная фоновая музыка.
После нескольких фильмов, где было много разговоров, Бергман решил на время отойти от «литературщины» многослойных диалогов в пользу чистой кинообразности. Тем самым он предполагал найти новый подход к ключевой для себя теме молчания Бога (отсюда название): «Бог не говорит с нами, потому что он не существует»[5].
В вымышленном городе, основанном на воспоминаниях Бергмана о разрушенных войной городах Центральной Европы, смоделирована экзистенциальная ситуация одиночества. Две сестры, даже будучи вместе, чувствуют в душе опустошённость — настолько сильную, что преодолеть её не помогают даже сексуальные эмоции, которые они пытаются пережить. Слова лишь мешают в мире, где отсутствуют подлинные чувства. В плане текста сценарий очень лаконичен. Бергман говорит, что при его создании вдохновлялся «Концертом для оркестра» Бартока:
«Первоначальная мысль была сделать фильм по законам музыки, а не драматургии. Фильм с ассоциативным ритмическим воздействием, с главным и побочными мотивами. Единственное, что осталось от Бартока в этом фильме, — начало с его глухим низким тоном и внезапным взрывом!.. И потом, меня всегда завораживал незнакомый город… Первоначально я хотел сделать главными персонажами двух мужчин — старого и молодого… Но потом я вдруг увидел в Ингрид Тулин и Гуннель Линдблум интересный контраст двух мощных полюсов».
Выход фильма сопровождался шумихой в прессе по поводу необыкновенной откровенности отдельных сцен и намёка на запретные для коммерческого кино темы инцеста. «Когда вышел фильм… я получил анонимное письмо с обрывком использованной туалетной бумаги, — вспоминает Бергман. — Так что этот с точки зрения сегодняшнего дня невинный фильм был принят в штыки»[6].
Во Франции фильм вышел в прокат в укороченной версии: были вырезаны сцены, «оскорбляющие общественную нравственность».[7]
«Советский экран» обвинил[источник не указан 594 дня] режиссёра в латентном фашизме и человеконенавистничестве.[7]
Сразу после проката фильма в 1963 году Бергману и его жене отказали от дома хозяева дачи на острове Орнё, мотивировав это тем, что приличные жильцы не должны снимать непристойные фильмы.[7]
Шведский социолог Ю. Израэль «назвал „Молчание“… фильмом реакционным и способным внушить отвращение ко всякому проявлению секса»[8][9]
no subject
Date: 2020-07-18 09:35 pm (UTC)The scenes in the streets and theatre were shot on a small budget. Bergman acknowledged these sets could have been more elaborate with more funding, but it may have worked to the story's advantage.[17] Cinematographer Sven Nykvist relied less on theatrical lighting for his shots.[18]
Release
The Silence was submitted to the film rating/censorship board (Biografbyrån) of Sweden in July 1963 and went through without any cuts. The general instructions for the work of the board had been modified just weeks before the film reached them, and this contributed to its passage, though Bergman claimed that he was not in any real sense trying to test the limits of what could be allowed in mainstream cinema. He actually did not expect this rather inaccessible film, with sparse and uncommunicative dialogue, to be a big box-office success, and commented in an interview in 1970: "I said to Kenne Fant, CEO of the Swedish Film Institute which had produced the film, 'You might as well realize, this isn't a film that will have people storming the theaters.' Oh the irony; that's exactly what people did".[19]
The original cut, shown in Sweden and certain other countries, includes a number of brief but controversial sex scenes, showing nudity, female masturbation, urination and a couple making out on the seats of a murky cabaret theatre. This plus some strong language led to intense public controversy in Sweden and several other countries at the time. In many countries the film was cut.[20][21][22]
According to Jerry Vermilye, The Silence "achieved a measure of sensationalistic attention by dint of its scenes of sensuality, mild though they were. It raised a great deal of controversy in Sweden, and its notoriety continued to raise hackles elsewhere in Europe. All of which attracted the attention of filmgoers; in Britain and the United States it became a considerable hit, perhaps for reasons of prurience rather than art".[23] Due to its reputation for "pornographic sequences" the film became a financial success.[24]
Vermilye is supported by Daniel Ekeroth, who notes in his 2011 book Swedish Sensationsfilms: A Clandestine History of Sex, Thrillers, and Kicker Cinema that "Tystnaden is the production, and marks the exact moment, when sex and nudity became normal in Swedish film. If an internationally acknowledged director like Ingmar Bergman could portray sex in such an explicit way, the last border had been crossed. Hordes of less serious filmmakers immediately abandoned all remaining inhibition about depicting whatever crazed and depraved ideas they thought would attract and scandalize a paying audience".[25]