что Вы больны не мной

[arbeka]

"И еще. В этой главе я буду говорить о художнике, который мне не нравится. Прошу принять это во внимание."

Небольшое предупреждение, которое надо было написать ранее

То, что я пишу о истории искусств, ни в коем случае нельзя назвать ни современным, ни научным. Сейчас почти не говорят, хорош или плох рисунок на картине, работал ли живописец с натуры и насколько холст, висящий перед нами, отличается от того, который художник исполнил в 17 веке. Меня интересует именно это, а историки искусства пишут на иные темы.

К тому же у многих просто нет адекватной подготовки, чтобы судить о рисунке и процессе создания картины художником. Какие-то умения и знания просто исчезают. Например, в шестидесятых годах в Нидерландах в художественных академиях перестали серьезно работать с натурой (и выкинули все гипсовые слепки античных скульптур, которые рисовали на уроках), всё, что осталось нынешним студентам, это редко встречающиеся натурщики, которые меняют позы каждые пять-десять минут… Академический рисунок, когда люди могли рисовать одну и ту же постановку недели и даже месяцы, практически исчез. И как теперь прилежным студентам увидеть, хорошо нарисована фигура или нет? Подобные изменения учебного процесса повлияли на возможность людей судить о видении художника да и просто о форме вещей.

Иногда это неумение выглядит анекдотически, так меня очень удивило осторожное суждение Саттона в книге о де Хохе, когда он написал, что собачка (сидящая на картине к нам спиной), это «или кошка, или собака». Мне было странно, что человек не вполне ясно представляющий, как выглядят существа и предметы, берется судить о их изображениях. Еще я уверен, что те, кто ни разу не брал в руки кисть, не могут глубоко и полноценно судить о задачах, которые ставил себе художник.

https://aboutpaintingblog.wordpress.com/2017/04/18/%d0%b3%d0%b5%d1%80%d0%b0%d1%80%d0%b4-%d0%b4%d0%be%d1%83-%d1%81%d0%b0%d0%bc%d1%8b%d0%b9-%d0%b4%d0%be%d1%80%d0%be%d0%b3%d0%be%d0%b9-%d0%b0-%d0%bf%d0%be%d1%82%d0%be%d0%bc-%d0%bf%d0%be%d0%b4/

Comments

[klausnick.livejournal.com]

Оставил камент и сделал закладку.

[izograf7.livejournal.com]

Спасибо, чудесная ссылка. Как обычно)

[groningen-sn.livejournal.com]

Я рад, что понравилось!

и сделал закладку

[belkafoto.livejournal.com]

Очень легко читается. Ах, если бы еще запоминалось с такой же легкостью...

Я рад, что понравилось!

[belkafoto.livejournal.com]

Очень понравилось. Давненько ни листал ничего по искусствоведению. Но помню общее впечатление тщательной ретуши всего и вся.
Для меня крайне поучительно прикидывать как эти реалии в живописи могут преломляться на материале фотографии.

Re: Я рад, что понравилось!

[groningen-sn.livejournal.com]

Вообще фотография сильно живопись изменила, не только нынешнюю, но и восприятие старых мастеров. А современная все еще пытается выбраться из ямы, куда ее фотография сбросила. И если это иметь в виду - любой ценой должно быть непохоже на фото! - то многое объясняется. Например, Банкси, который на стенах. Или кто-то делает рисунки простым карандашом, но размером метр на два. Глупо, конечно, но точно НЕ фотография, резоны художника понятны.

фотография сильно живопись изменила

[belkafoto.livejournal.com]

С другой стороны, что, конечно, не удивительно, живопись надолго определила развитие фото.

Скажем, почти в каждом городке Каталонии есть объединение фотографов-любителей.
(Профи тоже "объединяются", но совсем иначе, и только в столицах.)

Во всех этих ассоциациях, превалирует "художественная фотография". Сиречь, фотошоп в той или иной степени.
Такие направления как репортаж, не культивируются особо, потому что это "не изящно".
"Стрит" тоже терпится, но не поощряется, потому как теоретически лишен легального статуса.

И чем больше фото походит на нечто "живописное" (не уверен, нужны ли кавычки), тем больше шансов сорвать аплодисменты.

Re: фотография сильно живопись изменила

[groningen-sn.livejournal.com]

Любопытно. То есть ценится та самая живописность, которая в картинах ныне стала сомнительна из-за фотографии.
Вероятно, сейчас профессиональная фотография сражается со снимками, которые делают с телефонов... Тоже не позавидуешь, с таким количеством любое качество проиграет.
Фотография от меня совсем далека, фотоаппарата не было в детстве, а потом уже Строгановка и фото было окончательно заслонено. И почему-то на меня черно-белые фотографии больше действуют.

ценится та самая живописность

[belkafoto.livejournal.com]

Могу в чем-то ошибаться, но ситуация с фотообъединениями видится так.
Это иерархическая структура.
Над поселковыми любителями нависают региональные, а над ними национальные.
То есть, самодеятельность находится под некоторым контролем.
Получают премии, на всех уровнях, кто держит нос по ветру.
(И при этом делает неплохие фото по нужным критериям.)
Конкуренция с телефоном не очень страшна.
Потому как те, кто снимает с мобилы, вряд ли будут корпеть над слоями в фотошопе по 12 часов
(и распечатывать снимочки на специальной "рисовой" бумаге).
Конечно, идет старение этих фотографов-любителей.
Потому как молодежь не может себе позволить иметь (относительно) дорогую технику.
Да и плохо объединяются детки с пенсионерами.
.................
Черно-белая фотография прошлых годов очень интересна.

[belkafoto.livejournal.com]

"Кроме списка знаменитых клиентов, в биографии Доу всегда упоминаются его большие заработки и манера работы. Манеру называют усердной, педантичной и тщательной, в качестве примера всегда приводят анекдот, что над ручкой метлы, выглядящей совсем крошечной на небольшой картине, художник трудился несколько дней, посетивший его мастерскую немецкий живописец Йоахим фон Стандарт думал, что метла уже закончена, а оказалось, что там еще три дня работы.

[belkafoto.livejournal.com]

"И про большие заработки. До сих пор с некоторым чувством обеспокоенности голландцы сообщают, что посланец королевы Швеции заключил с молодым художником (22 года) необычный контракт: за право первым выбирать или отвергать свеженаписанные картины живописцу платили пятьсот гульденов в год (иногда об этой сумме спорят, утверджая, что Доу платили целую тысячу!). Экономным и рациональным жителям Низких земель получение такой огромной суммы ни за что до сих пор кажется неразумным и несколько обидным.

[belkafoto.livejournal.com]

"Герард Доу (Gerard Dou или Gerrit Dou) родился в Лейдене в 1613 году, умер там же в 1675. Начинал учиться витражному делу, позже стал брать уроки живописи, три года провел учеником в мастерской Рембрандта. Прославился необычайно рано, некоторые его работы могли стоить 1000 гульденов (в приложении к заметке о Лудольфе де Йонге я говорю о ценах того времени, тут лишь упомяну, что каменщик получал меньше гульдена за длинный летний день работы). Доу написал больше 300 картин, исключительный успех привлек к нему многих учеников (достоверно известно о более чем полутора десятках).

[belkafoto.livejournal.com]

Доу писал очень дорогие картины, их было необходимо продать, так как в каждую было вложено слишком много времени и труда. Это накладывало жесткие ограничения на свободу творчества, клиенты должны были быть уверены, что они получат гарантированный товар, только за специфическую манеру и определенные темы они были согласны платить огромные деньги. Потому эксперементировать с живописью Доу и не пытался, а изготавливал однотипные небольшие вещи. Он очень ровный, узнаваемый художник без сюрпризов и неожиданностей. Небольшой же размер его холстов это всего-навсего коммерческий ход, символизировавший нечто драгоценное и уникальное (так бриллиант не может быть размером с футбольный мяч). Самое большое полотно Доу это «Знахарь» 83х112 см, «Молодая мать», о которой я буду говорить 74х55 см. Большинство картин, написанных Доу, на самом деле очень маленькие: 30х20, 25х20, на выставке в Гааге была одна и вовсе крошечная 16,5 x 12,5 сантиметров. То, что малофигурные (!) и малоформатные (!) работы были столь (!) дороги, только помогало славе. Доу безболезненно пережил катастрофический для голландского искусства 1672 год.

[belkafoto.livejournal.com]

Картина на репродукциях выглядит более блеклой и разбеленной, в действительности она цветнее. Полотно производит странное впечатление, там так много небольших деталей, что целиком картину и не видно. Я бы сравнил это произведение Доу с дверью холодильника (черного цвета), на который художник постепенно добавлял тщательно изготовленные магниты с картинками, располагая их на большой плоскости в группах и по отдельности. Вот на темный фон сажаются морковки, клетка, метла, ведро, тарелка с рыбой, потом, чуть выше, капуста, свеча, битая птица, потом люстра, на другие стороны картины примагничены корзина, сребряный кувшин, тапочки, кисея, кресло с бахромой, заклепками и потертой кожей, колыбель с младенцем, служанка, люстра-подсвечник, книги на полке… Как и другие художники того времени, Доу оживляет переплет окна многочисленными разбитыми стеклами. Я не буду перечислять дальше, каждый может зайти на сайт Маурицхайса и, максимально увеличив изображение, рассмотреть всю эту россыпь никому не нужных вещей.

[belkafoto.livejournal.com]

Почему мне видится, что каждый написанный на этой картине предмет это не органическая часть композиции, а добавленный извне магнитик? Хотя бы потому, что освещение комнаты не настоящее, а искусственное. Кажется, что мы видим театральную сцену, где на каждую деталь направлен специальный софит, чтобы мы не упустили ни одну из морковок, на которые художник потратил уйму времени (ставка Доу была 6 гульденов в час) и которые стоят потому так дорого. Независимо от того, далеко ли от окна (единственного источника света на картине) стоят предметы или близко, но все они одинаково выписаны, рельефны, сунуты нам под нос; это хорошо видно на примере люстры, которая доходчиво освещена и рельефно выступает на темном фоне (и мы можем опять восхититься кропотливой работой художника), а все остальное пространство наверху погружены в тень, свет останавливается на люстре и дальше не стремится (чего быть не может). Нет, я не считаю, что освещение на картине должно быть логичным и естественным, но я уверен, что освещение должно быть изображено и продумано, что его надо писать с натуры (изменяя потоки света сообразно замыслу картины). В данном же случае освещения нет: небо в открытом окне всего лишь голубенькое, и не режет нам глаза, как должно было бы быть в темной комнате, а белая подушка в колыбельке светлее самого света. Замысел художника можно выразить так: «Смотрите, как искусно и как трудолюбиво!» Мне же хочется, чтобы в картине художник говорил другое: «Смотрите, как я заметил то, что вы не заметили!»

[belkafoto.livejournal.com]

Отмечу промахи картины, которые появились, потому что художник не писал пространство и картину целиком, не заботился о рисунке, а вылизывал каждую деталь отдельно: корзинка с тряпкой у ног матери нарисована в неправильной перспективе, фигура самой матери нарисована ужасно – бедренные кости в полтора раза длиннее настоящих, и колени совершенно огромного размера. Также несколько настораживает отсутствие ушей у молодой матери, ее ребенка и служанки.

[belkafoto.livejournal.com]

Но не рисунок, не скучное освещение и не нарушение пропорций делают картину плохой. Возможно, это предвзятость, но я не могу и не хочу от нее освободиться: Доу не занимался собственно живописью, а изготавливал курьез, игрушку для богатых заказчиков. Именно так его и воспринимали, например, герои романа американской писательницы Мери Мейпс Додж «Серебряные коньки» (детская книга 1865 года, где приводятся те же самые анекдоты про Доу): «Я где-то читал, что его картины кажутся еще лучше, если рассматривать их в увеличительное стекло.» Увеличительное стекло! Цель, которую ставил перед собой художник Доу кажется тут предельно ясной: написать многочисленные предметы мелко-мелко, при этом так подробно, что люди будут недоумевать, как художник сумел совершить сей подвиг.

[belkafoto.livejournal.com]

А теперь о самой картине. Очень маленькая работа, художник использовал большое увеличительное стекло. Хотя «Молодую мать» и «Девушку, режущую лук» разделяет двенадцать лет, но на картинах изображено то же самое женское личико (похожее на куклу Барби), с тем же сладостным и приторным выражением, точно такие же волосики, только лишь чепчик немного поменял фасон. Мы видим один и тот же стабильный результат. Если последовать совету литературного героя и взять лупу, то при увеличении можно заметить, как голова служанки не сидит на шее, как челюсть уходит куда-то к затылку, а уши снова безвозвратно потеряны.

Если рассматривать картину Доу с точки зрения правил, которых он сам решил придерживаться, то можно поставить в упрек картине, что служанка на ней режет лук, а тот не щиплет ей глаза. Для пущей убедительности художник обязан был изобразить нам трогательную слезинку на розовой щечке. Впрочем, ни сам Доу, ни его заказчики с луком на кухне никогда не сталкивались, потому все эти столетия и не было слышно ни одного протеста.

[belkafoto.livejournal.com]

С таким основным изобразительным средством, как тон (о тоне я писал в заметке про де Хоха), Доу не работает и попасть в тон не стремится. Для меня это делает всю его живопись абсолютно неинтересной.

[belkafoto.livejournal.com]

Так как репутация Доу в двадцать первом веке еще не совсем устоялась (ниже я пишу, как на сто лет Доу перестал быть модным художником), то современные ученые, говоря о нем и желая представить его в выигрышном свете, там и здесь упоминают, что Доу был учеником Рембрандта и за три года перенял те или иные важные умения у своего великого (хотя и двадцатидвухлетнего) учителя. В ранних работах Рембрандта и Доу ищут и находят сходство. Пожалуй, на самом деле так! Но это случилось лишь потому, что молодой Рембрандт был хоть и очень успешным коммерчески, но довольно слабым живописцем, который лишь искал свой стиль, лишь обретал мастерство. Так что, на мой взгляд, Доу от подобного сравнения никак не выигрывает.

[belkafoto.livejournal.com]

Почти все время Доу использовал одного и того же натурщика (хм, странно, что его не объявили отцом художника). Большинство работ тщательно выписаны (страницы книг, морщины, волосы, растительный антураж). Небольшой размер. Стандартный коричневый цвет. Отшельники были рассчитаны на экспорт в католические страны, хотя и не назывались впрямую именами католических святых.

Я бы не сумел показать всех молящихся пустынников написанных Доу, которые сохранились до наших дней. Но я надеюсь, что и приведенные репродукции дадут представление о потоке более или менее идентичных картин, которыми Доу и его имитаторы наводняли коллекции королей и князей. Мне эти изображения напомнили бесконечные портреты Лениных, которых исполняли самые разные советские профессиональные художники. Почему-то подумалось про Исаака Бродского, который писал бесконечные варианты и копии одних и тех же работ и снабжал ими всевозможные учреждения.

[belkafoto.livejournal.com]

Для своей живописи Доу нашел несколько фирменных композиций и потом успешно эксплуатировал их. Доу думал над композициями своих картин и в процессе работы изменял их, он заботился, чтобы полотна были логично организованы и не слишком перегружены (на мой взгляд, у него не получилось). Доу писал работы долго, на картине могло быть двенадцать слоев краски (а каждый слой должен был хорошо просохнуть, прежде чем на него могли положить новый), некоторые произведения находились в его мастерской годами. Иногда через несколько лет, Доу вносил в картины изменения.
Хотя Доу писал дорогими красками (такими как ультрамарин), но работы его все же изменили цвет, некоторые слои пигмента стали невидимы. Верным будет предположить, что иллюзионистский эффект его картин триста лет тому назад был гораздо сильнее.
Доу тщательно выбирал связующие пигментов, это было ореховое масло для одних красок, льняное для других, темпера для определенных красочных слоев. Как и все голландские художники, он сам делал свои кисти.

[belkafoto.livejournal.com]

расскажу тут еще раз о различных степенях подлинности живописного произведения.

Картина самого художника. Почти наверняка (75% вероятности), это сам мастер.
Картина в соавторстве. Бывает и такое: например, в голландском искусстве очень часто пейзажисты просили других живописцев написать им фигуры людей. В Ряйксмузеуме находится портрет супругов, подписанный Герардом Доу и Николасом Берхемом, считается, что первоначально Доу изобразил пару в интерьере, а приглашенный позже Берхем изменил интерьер на пейзаж.
Художник со знаком вопроса (?) после имени. Обычно это означает, что владелец картины работает над переводом картины из группы произведений, которые приписываются художнику, в группу всеми признанных, канонических работ. Процесс нелегкий, дорогой, занимает десятилетия, необходимо участвовать в выставках и стараться, чтобы на выставке и в каталоге рядом с картиной этого знака вопроса не поставили. Однако цена холста может повыситься в несколько раз, если в конце концов знак вопроса стирают.
Приписывается художнику. Означает, что почти все ученые согласны, что картину писал не сам художник, но двое из них утверждают, что сам. В качестве примера можно посмотреть на №9.
Мастерская художника. Подразумевается, что работу писали ученики, а мастер внес необходимые исправления и улучшил. Однако очень часто работы, качественно написанные учениками, приписываются потом самому художнику (Рубенс, Рембрандт и имя им легион). Так что «мастерская художника» означает или работу низкого качества, или нечто странное, что хотелось бы прилепить к славе знаменитого живописца. Копии часто приписывают ученикам.

[belkafoto.livejournal.com]

Круг художника. Еще хуже, чем мастерская и не похоже на картины мастера, но более или менее то же самое время.
Стиль художника или манера художника, а также школа художника. Продавцы или кураторы не берут на себя никакой ответственности, полотно чуть похоже на работы мастера, но написано не им, не его учениками, не учениками учеников.
По произведению художника или последователь художника. Это означает ужасную и неумелую копию, написанную через лет сто после смерти мастера.

Пример того, как картины, считавшиеся копиями, делают карьеру, можно посмотреть на примере автопортрета из Бруклинского музея.

[belkafoto.livejournal.com]

В 1990 году вышел первый современный научный каталог, в 2000 году была организована первая выставка Герарда Доу. Работы его снова стали дороги. «Старушку, едящую кашу» (№31) продали в 2011 за рекордные для художника 5,346,500 долларов. И совсем как когда-то скромной и бедной старушкой теперь может себе позволить любоваться лишь очень богатый человек. Первоклассные картины Доу продаются за несколько миллионов долларов, обычные за четверть миллиона. Надавно появился у Доу и первый серьезный коллекционер: в Лейденской коллекции насчитывается на сегодняшний день шестнадцать его произведений. Шестнадцать – больше чем в Ряйксе или Эрмитаже! Томас Каплан (владелец этой коллекции) потратил несколько миллионов долларов и купил себе массу унылых и на мой вкус плохих картин! Однако… однако о вкусах не спорят.