Школа 40х

[arbeka]

Школа 40х

Сентябрь. Бремя болтать про образование.
На скорую руку, про школу не нашел ничего.

А Нина,
оказалась из России. Как и ее муж

Вики утверждают, что точный свой возраст скрывала.

"С 1945 Лин начала работать в журнале «Life».
Стала известной, благодаря фотоистории снятой в 1948 про нью-йоркскую школу для одаренных детей для журнала «Life».

Нина Лин (англ. Nina Leen; 1909—1995, Нью-Йорк, США) Serge Balkin https://www.flickr.com/photos/skorver1/albums/72157625982614633/

Nina Leen | школа для одаренных детей. США. 1940 год https://shattenbereich.livejournal.com/287178.html

Comments

[klausnick.livejournal.com]

Изысканные позы.

Изысканные позы.

[belkafoto.livejournal.com]

Мода требует поз.

[belkafoto.livejournal.com]

Чем хорошие художники они отличаются от плохих? В чем разница между крепким мастером и талантливым крепким мастером?

Основанием для любых мнений о живописи могут быть лишь воочию увиденные картины, поэтому выставка жанровой живописи из английского королевского собрания, которая проводилась в Гааге в Маурицхейсе, оказалась удобной возможностью поговорить об этом.

На выставке можно было увидеть одну линию развития жанровых картин: Де Йонг – де Хоох – Вермеер, и параллельно этой оси, совсем другую, гораздо более коммерческую: Доу, Метсю, Миерис. Кроме того, там были представлены и другие жанровые живописцы первой величины: Терборх, Стен, Маес и Остаде.

[belkafoto.livejournal.com]

другого, вовсе не самого знаменитого мастера.

Давайте представим себе человека. Родился он в семье сапожника. Сапожник был богат и хотел потому, чтобы сын тоже стал сапожником, сын начал обучаться семейному ремеслу, но, выяснив, что художники зарабатывают больше денег, оставил обувную профессию и занялся рисунком и живописью. Учился там и сям, после на семь лет уехал во Францию и, судя по всему, заграницей к живописи не притрагивался, вернулся домой, так как мать его тяжело заболела, женился на девушке из семьи со связями, занялся наконец искусством, писал портреты, которые приносили тогда больше всего денег, но если заказов на портреты не было, то изображал охотников с лошадьми и собаками на фоне экзотических итальянских пейзажей, легко менял стили в зависимости от вкусов заказчиков (так, что его холсты через двести лет с легкостью приписывали десятку разных, совсем непохожих друг на друга живописцев), не боялся браться за батальные сцены, делал копии с картин, иногда дорисовывал фигуры на полотнах пейзажистов, которые умели изображать деревья и небеса, но не умели людей и собак, а еще он исполнял жанровые холсты с интерьерами, двориками и воображаемыми парками, работал быстро, резину не тянул, старался закончить картину за день. Создавая портреты богатых и влиятельных людей, завел правильные и нужные знакомства, бегло говорил по-французски, всегда был богат, всё время искал нового заработка и лучшую работу и в результате, используя связи жены, устроился на новосозданный пост офицера в городскую милицию, и с тех пор представляляся уже не художником, а майором. Занимался бизнесом и вместе с партнерами построил завод по переработке сахара, потом нашел себе еще лучшую службу и стал главой муниципалитета небольшой деревни, где и проработал последние четырнадцать лет своей жизни. Естественно, чем больше он бегал по разным важным делам, тем меньше занимался живописью, и в последние лет десять почти забросил ее.

Творчество его…

Простите? Творчество? Какое творчество?

Звали господина майора – Лудольф де Йонг (1616-1679), и жил он в Роттердаме.

[belkafoto.livejournal.com]

Чем де Йонг интересен и зачем про него писать?

Арнольд Хоубракен, автор едва ли не самой важной книги с биографиями голландских художников (Большой театр Нидерландских живописцев и художниц, 1718-1721, De groote schouburgh der Nederlantsche konstschilders en schilderessen), считал, что де Йонг оказал влияние на Питера де Хоха. С этим мнением историки искусств никогда не спорили и усердно этих мастеров сравнивали. Де Йонг был роттердамским художником, а де Хох в Роттердаме родился.

Питера де Хоха в свою очередь искусствоведы упорно называют первым (по времени), кто начал совершенно по-новому использовать световые эффекты и изображать сложное пространство в интерьерах. Точных дат не имеется, но исследователи все же соглашаются, что таким образом Хох открыл дорогу Вермееру. И де Хох и Вермеер тогда жили в Дельфте.

Безаппеляционно утверждать, что живописцы эти сотрудничали или были близко знакомы с работами друг друга, весьма трудно или даже невозможно (об этом не говорится ни в одном документе), но ясно, что три этих художника в одно и то же время на самом деле прикоснулись к чему-то новому, чего не существовало раньше в голландском искусстве. И если де Йонг не заинтересовался своим открытием и не смог (или не захотел) развить эти идеи дальше, то для де Хоха эффекты светового потока и игра с тоном стали главной темой творчества. Де Хох был хорошим художником и был бы даже прекрасным, если бы рядом с ним не оказалось Вермеера, который, изображая те же самые комнаты со светом из левого окна, совершил настоящий прорыв в живописи.

[belkafoto.livejournal.com]

Похожее художественное развитие можно будет увидеть и в работах Питерах де Хоха, а позже, когда реалистическое изображение интерьера, освещения и атмосферы не заинтересуют голландских покупателей, он, так же, как и де Йонг, изменит свой стиль и превратится в гораздо менее интересного живописца. И только Вермеер станет дальше и дальше развивать невостребованную публикой тему света и тьмы, а потому умрет в совершенной нищете и будет забыт на сто пятьдесят лет.

[belkafoto.livejournal.com]

Хотя на этом холсте и изображено окно, однако свет на холсте не реалистичен, не написан с натуры, выдуман, а не увиден, в работе нет особенных находок, никакой световой игры, никакой атмосферы. Преобладает вполне традиционный и коммерческий подход: главное внимания и старание вкладывается в изображение блестящих и богатых дамских нарядов, которые так ценились голландскими любителями искусства. Только платья и написаны с натуры, а остальное воображено. К сожалению, это заметно, и картина от такого пренебрежения сильно проигрывает.
Фигура у двери вдалеке опять-таки никак не обыгрывается и глубину не создает.
Картина подписана.

[belkafoto.livejournal.com]

Снова фигура выходит из проема справа. Снова в открытую дверь можно видеть заднюю комнату, этот мотив тут исполнен с умением и любовью, однако не доведен до конца и попытка создать глубину пространства не удалась полностью.
Хорошая картина, но… Но! Если сравнить ее с Вермеером, то вдруг замечаешь чрезмерное обилие деталей: тут и слишком доминирующая картина над дверью, и мешающие восприятию пространства собаки (у правой собаки, к тому же, пропорции неправильны, она слишком большая), тут и женщина с бельем, входящая в залу, и часы, зажатые между картиной и пилястром. Вермеер в процессе создания картин часто отказывался от уже написанных деталей, так в «Молочнице» из Ряйкса он записал корзину и там теперь просто белая стена, в дрезденской «Девушке, читающей письмо» исчезла картина и там теперь тоже ничего, кроме штукатурки. А у де Йонга чрезмерное нагромаждение, словно света и пары фигур ему недостаточно.

[belkafoto.livejournal.com]

На определенном этапе де Йонг (или те художники, которых называют его именем) стал пользоваться новыми выразительными средствами, в жанровых картинах он уделял большое внимание не только и даже не столько изображению сюжета, но его стали занимать свет, тень и пространство. Однако новый взгляд художника не был оценен покупающей картины публикой, да и сам де Йонг не счел свое новшество привлекательным и не воспользовался им в полной мере. И это естественно, если главной целью живописи являются удачные продажи картин. Когда полотна со световыми эффектами перестали быть востребованы рынком, художник перестал их производить и переключился на армейскую, а потом муниципальную службу.

[belkafoto.livejournal.com]

Появление нового искусства

После иконоборческого восстания 1566 года, когда кальвинисты, жители Нидерландов, очистили свои церкви от скульптур и картин (все они были, увы, уничтожены), живопись в Голландии не исчезла. Наоборот, она становилась все более и более желанной. Впервые в истории картины стали покупать не только принцы и епископы, но булочники, торговцы шелком, кузнецы, владельцы совсем небольших предприятий, фермеры. В обычном доме могло висеть несколько десятков картин. Картины должны были радовать глаз владельца повсюду: в передних комнатах, в парадных (там были самые дорогие картины), во внутрених (дешевле), даже в кухнях (самые дешевые).

[belkafoto.livejournal.com]

Таким образом? в самом начале 17 века в Голландии ремесло художника оказалось необычайно востребованным. Востребованным, а значит и прибыльным: живописец мог заработать более тысячи гульденов в год. Что значили эти деньги? Дневной заработок рабочего составлял около гульдена в день. Плотник мог заработать четыреста гульденов в год, священник – 500 (получая при этом бесплатный кров), медик-профессор в университете – 900. Дешевый дом мог стоить 1000 гульденов, Герард Доу купил дом в Лейдене за 2000, Рембрандт свой роскошный дом в Амстердаме за 13.000 (и не смог выплатить долг за него), дом фантастически богатого амстердамского купца стоил 25.000. Хочется отметить, что голландцы в биографиях голландских художников очень часто упоминают адреса домов, где жили живописцы. Это не случайно. Именно адрес для граждан Нидерландов является мерилом подлинного благосостояния и добродетельности (и это до сих пор так!), а потому, следуя вполне материалистическим голландским взглядам на жизнь? выводится несложная формула: чем лучше район проживания, тем лучше и искусство художника.

[belkafoto.livejournal.com]

Итак из-за материальной привлекательности профессии в первой половине столетия и появляется огромное количество новых художников.

В Амстердаме в 1580 году работало по меньшей мере 16 живописцев (это дошедшие до нас имена, понятно, что их было больше), в Гарлеме 8, в Дельфте 3,

В Амстердаме в 1610 году 88, в Гарлеме 32, в Дельфте 28,

В Амстердаме в 1630 году 149, в Гарлеме 63, в Дельфте 56,

В Амстердаме в 1650 году 262, в Гарлеме 98, в Дельфте 61,

На самом пике в Амстердаме в 1664 году 319, в Гарлеме уже меньше – 95, а в Дельфте, всего 33 живописца.

[belkafoto.livejournal.com]

С пятидесятых годов (а в Амстердаме чуть позже) на рынке голландского искусства начался спад, который уже не закончился. В 18 да и в 19 веке масса голландских живописцев будет механически повторять и копировать художественные находки 17 века.

Считается, что в 17 веке было произведено несколько миллионов картин и работало 50.000 живописцев. Ныне нам известны имена почти трех тысяч голландских живописцев того времени (работ большинства мы не знаем), в канон (проверенные временем художники), интересный для музеев и коллекционеров, включают около двухcот имен, современный первоклассный специалист по голландской живописи 17 века держит в памяти 600 имен художников, живших в Нидерландах.

[belkafoto.livejournal.com]

При огромной конкуренции рынок голландского искусства сильно специализировался: одни мастера живописали битую дичь (в основном художники Фландрии), другие изображали букеты цветов в вазе (например, Адриан ван дер Спелт), третьи уже не просто цветы, а фрукты, цветы и ракушки вместе (Бальтазар ван дер Аст), четвертые писали в основном бурное море (Ян Порселлис, а потом и его сын Джулиус), пятые – почти одни только лесные опушки (Мейндерт Хоббема). Целые города известны массовым производством картин определенного жанра: в первые десятилетия 17 века в Гарлеме производились дешевые (а не дорогие!) изображения кутящих людей (merry companies), а позже пейзажи; букеты цветов писали в Миддельбурге, исторические картины в Утрехте, жанровые сценки в Лейдене, преспективы и виды городов в Дельфте, и только в Амстердаме всегда в изобилии присутствовали все известные жанры. Это напоминает современную профессию фотографа: кто-то снимает исключительно ботинки для каталогов обуви и постеров, другой фотографирует свадьбы, а третий специализируется на буклетных, рекламных изображениях молодых счастливых мужчин, берущих ипотеку.

[belkafoto.livejournal.com]

Однако не все художники были намертво привязаны к одному жанру (одним из таких мастеров на все руки был Лудольф де Йонг), искусствоведы не поленились и составили примерную статистику на основании нескольких описей коллекций 17 века. Из 261 художников, 117 писали по меньшей мере в двух жанрах, 45 писали по меньшей мере в трех, 15 в четырех и четыре живописца писали в любом возможном жанре.

[belkafoto.livejournal.com]

Голландская живопись была творчеством в очень малой мере, а в основном являлась лишь ремеслом, зарабатыванием денег. Если художники и искали что-то новое в искусстве, то это были новые пути заработка; любое успешное (в коммерческом плане) изобретение необычайно быстро становилось всем известно и сразу же копировалось в надежде на высокие доходы. После феноменального успеха Рембрандта к нему толпой валят ученики (и платят за обучение 100 гульденов в год вместо обычных 20-50), а собратья-художники немедленно начинают изображать расшитые золотом ткани, мерцающие в полутьме. Когда же стало известно о неслыханных гонорарах Герарда Доу (1000 гульденов за крошечную картину с двумя фигурами), то в Лейдене (где жил Доу) образовалась целая школа «искусных лейденских живописцев», эти художники, как и их мастер, корпели многие дни над каждой из множества маленьких деталей, которыми они нашпиговывали совсем небольшие холсты.

[belkafoto.livejournal.com]

Цены

На голландском рынке искусства продавались почти одни только работы голландских и фламандских живописцев, итальянские картины были редкостью, за знаменитых итальянских мастеров платились суммы намного превышающие цены на любого художника из Нидерландов (2000-3000 гульденов).

Голландские цены были другими: за «Ночной дозор» Рембрандту заплатили 1600 гульденов, это едва ли не рекордный гонорар, его же портреты продавались за 500 гульденов, Герард Доу получал за свою работу 500-1000 гульденов. Однако такая плата была редкостью, неплохой ценой за работу считалось получить 25 гульденов. На аукционе картин (цены там были ниже) Рембрандт шел тогда за 100 гульденов, средняя же цена на распродаже картин ширпотреба (тех, которые висели в кухнях и в кузницах) не превышала 4 гульдена. Еще надо добавить, что кроме оригинального искусства производилось огромное количество копий картин. Копии были дешевы.

[belkafoto.livejournal.com]

Цены на картины определялись обычно именем художника. Жанр, размер холста, количество фигур тоже играли свою роль. Натюрморты были дешевле, исторические картины были дороже, но это относится лишь к историческим картинам известных художников, потому что производилось огромное количество и дешевых (3 гульдена) исторических полотен. Как я упоминал, Герарду Доу за жанровые сцены крошечного размера и всего с парой фигур платили весьма большие суммы.

Живопись продавалась самими художниками, а также торговцами картин, на ярмарках и на аукционах (часто после банкротства или смерти владельца коллекции).

[belkafoto.livejournal.com]

Так как во второй половине 17 века ремесло живописца уже не приносило верного заработка, то многие художники подрабатывали или пытались заняться другим бизнесом. Про майора Лудольфа де Йонга я уже писал. Знаменитый Ян Стен подвизался сначала в качестве живописца, заработками своими был недоволен, и поэтому решил стать пивоваром. Когда у него не получилось, то снова занялся искусством-творчеством, однако мечты о лучшей жизни не оставил и в конце концов открыл таверну, а живописью подрабатывал в свободное от основной работы время, Хоббема был налоговым инспектором, ван Гойен торговал тюльпанами, Питер де Хох работал слугой, а Терборх служил в муниципалитете Девентера.

[belkafoto.livejournal.com]

Ну а так ли важны нам устремления голландских живописцев, их деловая хватка и мечты о приличном заработке? Что нам за печаль, если они хотели денег, денег и еще раз денег, а об искусстве не думали и с музами не знались? Мы же оцениваем не их желание заработать, а картины, которые после них остались! В чем-то такой подход будет оправдан. Цели художника, да и сами определения искусства радикально изменяются с течением времени. Однако я думаю, что все же стоит обратить внимание и на меркантильную составляющую голландской живописи, хотя бы потому, что нам известен Вермеер. Вермеер писал некоммерческие картины. Он работал над ними слишком долго, для их создания он использовал самые лучшие и дорогие краски, он не принимал в расчет моду, он решал художественные задачи. Мне кажется, что именно поэтому его работы прекрасны и на них хочется смотреть еще и еще, а на Стена не особенно.

[belkafoto.livejournal.com]

Промышленное производство картин

Так как живопись тогда не только не считалась, но и не являлась искусством, картины почти всеми художниками производились быстро, регулярно и без творческих кризисов, это было воистину промышленное производство. На успешного художника работали многочисленные ученики и подмастерья, что позволило, например, Михелю ван Миревельту (Michiel van Mierevelt) стать «автором» 10.000 (десяти тысяч!) портретов. Не надо при этом думать, что Миревельт был плохим и неправильным художником, а Рембранд правильным и хорошим. Рембрандт в первый период жизни производил работы точно таким же способом (руками учеников и без особых сентиментов) и лишь позже стал писать воистину хорошо (что и привело его к банкротству).

[belkafoto.livejournal.com]

Порселлис писал одну картину с бурным морем и кораблями за три дня (остался договор, где он обязуется написать сорок картин за двадцать недель), Ян ван Гоейн и Соломон ван Рейсдаль писали одну картину в день.

Существовало настоящее разделение труда: если пейзажисты не умели рисовать человеческие фигуры (например, Хоббема, Якоб ван Рейсдал, Ян ван дер Хейден, не буду перечислять дальше, таких было много), то другие художники писали им людей.

В моем понимании это не искусство, это бездумное воспроизведение готовых схем (притом самым дешевым способом), чтобы сэкономить и заработать (у ван Гоейна и Соломона ван Рейсдаля – низкий горизонт, потому что небо писать проще и быстрее, монохромная палитра и торопливая, однослойная живопись самыми дешевыми пигментами).

[belkafoto.livejournal.com]

Обычно же голландское искусство это искусство крепких середняков (часто не умеющих хорошо рисовать, а заучивших несколько полезных приемов), терпеливых, тщательных и крепкозадых, высиживающих и вымучивающих свои картинки, словно наседка цыплят.

Наименее успешные художники работали не в своих собственных мастерских, а поставляли товар торговцам живописью, часто они жили и занимались своими художествами при магазине. Эти бедолаги копировали работы других живописцев, писали одни и те же холсты по готовым шаблонам, причем использовали эти шаблоны для холстов разного размера, безоговорочно выполняли указания торговца картинами и не имели ни вдохновения, ни стиля, ни пристрастий, ни имени. Их полотна были самым дешевым товаром.

[belkafoto.livejournal.com]

Отношение к живописи у просвещенной публики тогда было несколько иным, совсем не похожим на наше. Картины были не искусством, а украшением, вроде расписанных изразцов или дорогих обоев, поэтому «Ночной дозор» Рембрандта не поколебались обрезать с трех сторон, когда выяснилось, что холст не влезает на выделенную ему стену (так относились к искусству повсюду в Европе).

[belkafoto.livejournal.com]

Обучение живописца обычно занимало лет шесть, учились нередко у нескольких художников, так Лудольф де Йонг оставил мастерскую Антони Паламедиса, потому что тот пренебрегал своими обязанностями наставника. У Рембрандта было два учителя, у Герарда Терборха тоже два, а у Михаеля ван Мюссера целых пять. Лет в двадцать молодой профессионал уже мог считаться мастером и сам стать учителем.

У знаменитых художников учеников было много, так нам известно наверняка о более чем двадцати учениках Рембрандта (а еще дюжина художников в этом подозревается). У менее известного, но вполне преуспевавшего Яна Ливенса (друга и компаньона Рембрандта) было 8 учеников.

[belkafoto.livejournal.com]

Ученики и подмастерья активно участвовали в производстве картин своего учителя. Перевести атрибуцию картины из «сделана в студии художника» в «сделана самим художником» является наивыгоднейшей заботой коллекционеров, музеев и аукционных домов, и при должном старании и оскудении рынка им это удается (например, история с канадским «Избиением младенцев» Рубенса).

[belkafoto.livejournal.com]

Реализм

Многим ценителям искусства голландская живопись 17 века представляется реалистической. Поэтому несколько слов о реализме.

С натуры художники обычно рисовали, но гораздо реже писали. Для создания картин использовались эскизы (часто те же самые по нескольку раз для различных картин), которые соединялись вместе (иногда не самым лучшим образом, как в картине 11 из заметки про жанровую живопись де Йонга). Хорошим примером могут служить пейзажи, где написаны разные виды облаков, которые по наблюдениям метеорологов в природе вместе никогда не появляляются. Голландский же художник использовал зарисовки неба, сделанные в разное время, соединял их вместе и создавал картину, которая зрителю кажется реалистической. (Это, конечно, правильный подход, механическое и дотошное копирование натуры никогда не приносило достойных результатов.)

[belkafoto.livejournal.com]

С натуры, как правило, писали блестящие ткани (для этого использовались манекены), руки и лица на портретах. Манекены использовались для рисунка фигур в разнообразных позах, также находили применение и терракотовые модели частей тела.

Эскизы использовались по нескольку раз, ведь живопись была ремеслом, заработком, а не искусством, где важны уникальность и неповторимость. И вот Лудольф де Йонг делал набросок ног сидящего человека и писал с него фигуры в разных картинах, приставляя к тем же самым ногам другие туловище и голову, Питер де Хох, делал с натуры рисунок камина, не желал с ним расстаться, и оный камин мы потом находим по крайней мере в четырех полотнах с разными интерьерами. Многие же детали писали даже не с набросков, а по памяти, потому и появляются на реалистических холстах странные, ни на что не похожие кошки с получеловеческими лицами, невнятные фигуры, лица-смайлики или малые дети, похожие на искривленных кукол.

[belkafoto.livejournal.com]

Потому-то почти все пейзажи голландских художников это вымышленые пейзажи, большинство изображенных интерьеров никогда не существовало в действительности, букеты часто неправдоподобны, а портреты… А вот портреты, вероятно, должны были походить на модель. Хотя… Если внимательно рассмотреть все автопортреты Рембрандта, то не всегда можно увидеть в них одного и того же человека. Несомненно, что в портретах какое-то сходство с моделью должно было присутствовать. Но было ли оно всегда и в какой степени? Старался ли художник добиться схожести? Насколько модель надо было приукрашивать? Герарду Доу, знаменитейшему и очень дорогому живописцу, почти не заказывали портретов, потому что он писал их слишком не похоже. Отсюда можно вывести, что художники писали и похожие портреты, однако и непохожие тоже бывали.

Скорее всего, с натуры писались натюрморты.

[belkafoto.livejournal.com]

Сохранность. Она бывает разная. Я закончу этот рассказ печальным анекдотом: картины иногда реставрировали и реставрировали их слишком хорошо. Так «Женщину, стоящую у клавикордов» Вермеера из Национальной галереи Лондона расчистили до подмалевка, поэтому лицо ее и руки стали зелеными и утратили телесный цвет. Это случилось, потому что с картины тщательно снимали наслоения лака, а о том, что Вермеер писал на лаке последние тончайшие слои живописи, никто почему-то не подумал. Поэтому эти слои и были удалены.

[belkafoto.livejournal.com]

Еще надо упомянуть, что бесцветные синтетические, суперсовременные лаки двадцатого века, которые никогда не изменяют цвет, все же изменили цвет (через несколько десятилетий) и стали серыми. И еще оказалось, что те оригинальные лаки, от желтизны которых избавляла нас вдумчивая, научная реставрация, были желтыми с самого начала, художники знали про эту желтизну и имели ее в виду, когда заканчивали писать свои картины. Когда в двадцатом веке этот лак был счищен, то картины приняли вид, на который художники, их написавшие, совершенно не рассчитывали.

[belkafoto.livejournal.com]

В картине мне не понравился цвет. Он скучен, без особой выдумки, словно художник решил, что против серого и коричневого никто не будет протестовать, что эта гамма верная, а потому выбрал именно ее. Картина, на мой взгляд, еще слишком многословна, снова там куча вещей, людей, предметов, которые случайно организованы. Это будет весьма характерной чертой искусных живописцев из Лейдена – они будут впихивать на холст как можно больше разных мастерски написанных вещей. Ну, может, не совсем мастерски, но, по крайней мере, изображенных так, чтобы заказчик не досадовал на высокую цену.

Те не менее я думаю, что это хорошая работа де Йонга и что она является украшением нашего музея.